El rollo es sencillo. Hablaremos del nuevo proyecto (ni tan nuevo) de Quentin Tarantino, Inglorious Bastards, que él mismo se encargó de anunciar cuando Cannes iba terminando, en la primavera de este 2008.

Algunos se preguntarán ¿por qué estamos hablando de Tarantino de nuevo?, ¿no hemos tenido suficiente? Las respuestas son sencillas. No, no nos hemos cansado de Tarantino y Death Proof nos gustó bastante (aunque quisimos comprarla, los precios disparatados de la película lo
hicieron prácticamente imposible), así que un proyecto nuevo nos emociona bastante.
Y dos, ahora que todo mundo habla de plagios, de ideas originales, de copias y de fusiles (saludos a Alonso Álvarez no por plagiario, sino por atreverse a defender su proyecto... claro, cuando lo dejan hablar), es buen momento para platicar de alguien que se hizo famoso gracias a hacer una segunda versión de una película que ya existía y la rebautizó como Perros de reserva: Quentin Tarantino.

Por Fer Rodríguez

Muy al estilo de doña Chepina Peralta, quien te guíaba en los menesteres de la cocina hace años, Mike Myers regresó con toda una guía práctica para amar, ser amado y, ¿por qué no?, tener sexo.

Dirigida por el director Marco Schnabel, quien ha trabajado en proyectos con Myers como productor y como director de la segunda unidad en proyectos como Austin Powers, El gurú del amor plantea lo absurdo de la sociedad americana, la cual cree en cualquier cosa (guía, credo, milagro o producto) para salvar alguna parte, o el todo, de sí mismos. El eje central será el uso de situaciones tan cotidianas que rayan en lo absurdo, mostrando lo socialmente incorrecto y lo políticamente incómodo; el amor o el sexo, el afecto o el deseo, la verdad a medias o el engaño pleno.

PASO 1
Myers tiene mucha experiencia realizando este tipo de comedia; lo hemos visto evolucionar desde “Saturday Night Live” (en donde comenzó como invitado y se convirtió en el guionista de sketches que le valieron Emmys) hasta Austin Powers, ese espía cuyo modjo atraía a cualquier tipo de mujer. Siempre esperaremos ver al mítico Wayne en su garage, cuyo programa bien podría sanar en estos momentos las malas decisiones que MTV ha tomado desde mediados de los 90.

Las películas de Guillermo del Toro habitan en una dimensión aparte. No son películas para niños, pero tampoco son cintas para adultos. Se ubican en un tibio punto medio entre lo ingenuo, lo tenebroso, lo monstruoso, lo metafísico y lo francamente ñoño. Son películas eficaces que capturan la personalidad de su creador -tal vez un poco mas de lo que él mismo desea-, evidenciando al niño miedoso que nunca pudo mirar debajo de la cama, bajar solo al sótano o mantener la vista en las sombras que se proyectaban en su ventana por las noches. Son documentos de un cineasta que se ha arrancado las raíces borrando cualquier rastro de “lo mexicano” en su obra. Exilio artístico, auto impuesto, de un país que no le ha dado paz, tranquilidad, respeto, o seguridad. Por medio de lo tenebrosamente cinematográfico combate a sus propios monstruos.

De la Condesa a los monstruos
El recuerdo mas vívido que tengo de Guillermo del Toro es el de una entrevista que dio con motivo de la promoción de la película de su cuate Alfonso Cuarón, Y tu mamá también (México, 2001), en la que fervorosamente señalaba las enormes ventajas de hacer una película en México dirigida al publico mexicano. Decía algo así como: "¡no manches! Estar viendo la película y de repente ver Reforma, ¡y el Viaducto!, ¡es increíble!".

Esta maravillosa experiencia, según él, de reconocer tu entorno en la pantalla y al mismo tiempo reconocerte a ti mismo es algo que él ciertamente no practica, algo que no encaja en su estilo cinematográfico, y honestamente es algo que a mi no me emociona demasiado. Para empezar, casi ningún director mexicano quiere que su película parezca mexicana, todos quieren hacer parecer a la ciudad de México como Nueva York, o mínimo como una colonia Condesa extendida de Satélite a Coapa, con un pequeño bachecito en las zonas ruinosas de Observatorio a Santa Fe. (Y ni me hagan empezar con las directoras mexicanas, esas son las peores en cuanto a descripción de entorno, pero ese es asunto de otra entrega.) Y cada día nuestro entorno está caricaturizado en las telenovelas que inundan todas las pantallas de tele, así que lejos de reconocernos, nos confunde.

Esa entrevista llega a mi memoria cada vez que veo una película de Del Toro, porque, aunque alaba a su amigo Cuarón por hacer una película mexicana en México, él sistemáticamente ha borrado cualquier rastro de “lo mexicano” de sus películas. Basándonos exclusivamente en ellas, es imposible detectar si el autor nació en Los Angeles o en Barcelona. Inclusive en algunos momentos he llegado a dudar si Del Toro es mexicano, en serio. Ha habido entrevistas para la tele española en las que lo he oído "sesear" como el más vulgar de los futbolistas mexicanos, que tras vivir 25 años en Tlatelolco, después de 15 días en Valencia, olvida cómo pronunciar "Xochimilco".

Y el hip hop cinemático
Por Erick Estrada
(Enviado. Pixar Animation Studios)

Para todos aquellos que estuvieron con nosotros en el número anterior, en el que comenzamos a hablar un poco sobre el fenómeno WALL*E, aquí tienen la segunda parte de la información que pudimos obtener en nuestra visita a los estudios de animación Pixar.
Para todos aquellos que llegan por primera vez a las páginas de 24xsegundo (y cada vez son más, lo cual nos alegra enormemente), recapitularemos de manera veloz. WALL*E es la historia de un robot diseñado para limpiar y recoger basura, y que lleva los últimos 700 años trabajando en la Tierra. Los humanos ahora viven fuera del planeta y WALL*E se quedó tabajando indefinidamente aquí, en un planeta sobre explotado y corrompido por el monstruo del consumismo. Pixar lleva trabajando en esta historia probablemente desde que Toy Story fue estrenada y, como también lo dijimos en nuestro número anterior, es el primer intento de los estudios por hacer una película animada que no parezca animada, es decir, los esfuerzos se enfocaron en hacer parecer que lo que vemos en la pantalla fue fotografiado por una cámara convencional, no generado por una computadora.

La primera adaptación de una novela de Julio Verne al cine fue Viaje a la Luna de George Méliès (1902), también primera cinta de ciencia ficción en la historia del cine; en ella, Méliès transportó sus trucos de mago a la pantalla grande creando ilusiones ópticas con la superposición de imágenes distintas, o utilizando un simple corte directo para conseguir que un objeto se transformara por completo o apareciese en otro lugar.

Después de ésta se han producido, por todo el mundo, incontables películas basadas en novelas de Julio Verne. Muchas de esas cintas, posteriormente se han vuelto a filmar, como en el caso de Viaje al centro de la Tierra, de Erick Brevig (2008), remake de la película del mismo título de Henry Levin (1959).

La cinta comienza planteando la existencia de una leyenda acerca de una tierra a la que nadie ha podido llegar, y muchos de los que lo han intentado han muerto en el intento; sin embargo, un hombre (Brendan Fraser) se propone encontrarla.

Entramos al terreno de la mitología, en donde los héroes y los villanos se enfrentan en los cielos para que nosotros, simples mortales, aprendamos la lección en cabeza ajena, para que evaluemos nuestros actos y nuestras conciencias, para que veamos lo pequeños que somos frente a semejantes figuras y, sobre todo, para que nuestra humanidad se sienta aún más pequeña ante los poderes del universo. Pelean para que nos entendamos a nosotros mismos.

La historia

Capítulo 27 cuenta, sencillamente, los días en la vida de Mark David Chapman previos a que se decidiera asesinar a Jonh Lennon. Chapman, lo sabemos todos, sentía una profunda admiración por Lennon y fue esa admiración la que acabó mal encausando sus energías para que, en un delirio de megalomanía y confusión, viajara hasta Nueva York en diciembre de 1980 para acabar con la vida del Beatle. Él, Chapman, veía en John Lennon a un Zeus con guitarra que lanzaba mensajes en sus canciones, pero mensajes que al mismo tiempo revelaban la cara “hipócrita” y “falsa” de una estrella de rock engullida por una sociedad no menos cruel e igualmente hipócrita.

Vamos a fantasear un poco. Dejemos que las sombras de la enorme ciudad Gótica bajen hasta las calles y mantengan a la urbe en una noche perpetua aún a mitad del día. Vamos a fantasear más, pensemos que debajo de esas sombras, a pesar de que ahí se esconden los males de la sociedad occidental y sus deformaciones, se está mucho mejor… y quizá sea precisamente por ello.

Esa es la premisa de la que parte Christopher Nolan para armar la segunda parte de su saga sobre uno de los héroes menos heroicos (ya sé que suena horrible, cacofónico, redundante, pero así es) en la historia de la mitología moderna: Batman.

¿Podemos fantasear más? Muchos, teniendo ahora dos películas de Batman con Nolan al frente, dirán que su Batman es mejor que el de Tim Burton, pero yo insisto en que se trata de un homenaje y que simplemente son dos maneras distintas de abordar a la misma figura. Tenemos a dos autores hablando de los mismos problemas y, aunque los dos ejercitan la misma gramática (la cinematográfica), la forma y por supuesto los resultados, cambian drásticamente.

Daniel Day-Lewis
El actor por todos tan temido
Entrevista exclusiva

Será tal vez por su fuerza interpretativa o porque siempre elige con mucho cuidado los personajes que hará, pero se le suele preguntar a aquellos que lo integran en su equipo cómo fue trabajar con Daniel Day-Lewis. Y es que “intensidad” sería una buena palabra que definiría al actor de Mi pie izquierdo (My Left Foot, Irlanda-Reino Unido, 1989) y En el nombre del padre (In The Name of the Father, Irlanda-Reino Unido, 1993), quien ahora da vida al complejo Daniel Plainview.

¿Por qué siempre eliges con tanto cuidado a tus personajes?
Supongo que tengo la secreta ilusión de creer que no hay otra opción. En este caso, cuando leí el guión me sentí muy mal pero después pensé que podría entrar en la historia. Paul es un escritor de verdad, el lenguaje es muy rico y muy hermoso, pero es porque fue escrito con una gran sensibilidad. Al leerlo me reconocí a mí, lo reconocí a él. Es el retrato de una época. Te puedes imaginar fácilmente a alguien viviendo sin posibilidades, persiguiendo esta fiebre por el petróleo.

¿Cómo te preparaste para hacer este papel?
¡Sólo he plantado algunas semillas y he esperado durante mucho tiempo para ver el equipo de producción! Nunca sé qué tengo que hacer para preparar un personaje, pero no me angustio. Este es un juego. A veces se convierte en uno muy sofisticado, otras en uno muy primitivo, pero al final es sólo eso, un juego.

¿Es fácil para ti hacer el personaje de un tipo tan agresivo?
Si haces tu trabajo de manera correcta no lo es. No sé cómo describir la manera en que funciona, pero si no piensas en cada escena las características de las sensaciones del personaje, como lástima, agresividad, enojo, entonces es fácil. Aquí no se trata sólo de las cualidades que tiene Paul como director y la manera en que yo, como actor, trato de hacer mi trabajo, sino también de la honestidad y la generosidad con que se plantea la anécdota. Siento, desde la primera vez que leí este guión, que lo bueno de esta historia sobre un hombre que poco a poco se va separando del mundo, es la inspiración que te da, la posibilidad de explorar sus sentimientos.

Y también explora el sentido del humor.
¡Sí, definitivamente! Es una comedia. A mí me hizo reír cuando leí el guión.

¿En algún momento te has sentido como tu personaje, que no te gusta nada de lo que te rodea mas que tú?
¿Personalmente? ¡No!

Me refiero a esas ocasiones en que te encuentras en un lugar donde lo que te rodea no te gusta para nada y te refugias en ti mismo.
Bueno, he estado en ambientes muy hostiles varias veces en mi vida, incluso peligrosos, pero no es que no me guste la gente, sino que no me siento seguro o me siento amenazado por ellos. Y es una respuesta natural el sentirte enojado cuando eso sucede, pero no soy un misántropo.

FICHA TÉCNICA
Petróleo sangriento
(There Will Be Blood, EUA, 2007)
Dirige: Paul Thomas Anderson
Actúan: Daniel Dat-Lewis, Paul Dano, Kevin J O’Connor, Ciarán Hinds
Guión: Paul Thomas Anderson
Fotografía: Robert Elswit
Duración: 158 min.

Calidad y no cantidad

Desde que amablemente me ofrecieron convertirme en editor de 24xsegundo tuve claro que la revista tenía que corregir los errores que las otras publicaciones de cine cometían a veces orgullosamente. Necesitábamos ver al cine como arte, como medio de comunicación, como diversión y como un instrumento en el que quedaban registrados los cambios de un mundo tan acelerado como el nuestro. A la manera del siglo XXI, el cine sigue funcionando como lo hizo para los Lumiere, para registrar lo que ocurre en las calles; pero también funciona como lo hizo para Melliés, para generar mundos irreales que cuentan dramas humanos, para materializar los sueños (un anhelo que siempre buscó uno de mis teóricos favoritos del cine, Antonin Artaud); funciona igual que para los surrealistas y que para los expresionistas y eso no hace sino alegrarnos a todos los que colaboramos para que esta revista esté lista mes con mes.
Queremos ver al cine sin alfombras rojas, sin frivolidades, entenderlo desde sus entrañas y compartir los mensajes que encontramos en él, desmenuzar su lenguaje inventado hace más de 100 años. Criticar, profundizar… porque ver cine es más que comer palomitas sin sentido, no importa qué película se vea.

Creemos que no cualquiera debe escribir de cine (tendencia presente en infinidad de publicaciones), por ello es que en este número damos oficialmente inaugurada una inclinación que si bien ya se ha hecho presente, hoy presumimos con orgullo: directores de cine entrevistarán a directores de cine, productores a productores y fotógrafos a fotógrafos; por ello nuestras firmas incluyen a:

Roberto Fiesco: director y productor de cine y teatro, ganador de premios cinematográficos en todo el mundo, jurado Sección Oficial FICCO 2008.

Julián Hernández: director y guionista de varias películas que han sido celebradas y premiadas alrededor del mundo.

Ernesto Contreras: director de cine; el año pasado estrenó Párpados azules en el Festival de Morelia. Esa misma película ganó el Festival Sundance 2008.

Joaquín Rodríguez: actor, guionista y crítico de cine respetadísimo en el medio cinematográfico mexicano.

Verónica Maza Bustamante: comunicóloga dos veces diplomada en cine. Ganadora del premio Destino Madrid, en España; como editora labora actualmente en Milenio Diario, Milenio Semanal, W Radio, Cadena Tres de televisión y varias revistas.

Eduardo Limón: respetado periodista y cronista literario y musical, colaborador de múltiples revistas y medios. Su texto “Sexo extremo, extremo” fue finalista del Premio de Nuevo Periodismo Latinoamericano fundado por Gabriel García Márquez.

Juan Evers: egresado de Realización en el CUEC, director de los videos “Te voy a dormir” y “Así es el amor” para San Pascualito Rey (en donde también tocó la batería).

Y otros tantos colaboradores que como yo, entregan su alma a aprender del cine y que quieren ejercer la crítica inteligente.

A todos ellos, gracias.
Erick Estrada

A Deborah Curtis (en su libro está basada la película)
A Tony Wilson que murió el año pasado
A todos los que junto a mi han vivido y sentido con Joy Division

(Los siguiente apuntes los hice mientras observaba la película Control, que narra el ascenso y la caída de Ian Curtis, cantante de Joy Division)

“Existencia... ¿cuánto importa?”, Ian Curtis en gran close up abre la película. Silencio, pantalla en negro. Manchester absorbe a sus habitantes. Una película sobre un grupo de rock comienza en silencio. David Bowie entra después.

La rutina queda retratada en una estupenda elipsis temporal. Manchester, y Bowie sigue cantando. “Aladdin Sane”, A Lad Insane. Un chico enloquecido.

La escritura es un escape. IAN se convierte en IAM. YO SOY. Gran ego del señor Curtis. Las letras dicen más de lo que vemos (un grito de auxilio) y Corbijn lo deja claro en dos encuadres, tan claro como sus blancos. Pantalla en blanco y negro.
El escarceo con la muerte y las primeras drogas. Seguimos casi en silencio. So it be when I shall grow up... or let me die.

FICHA TÉCNICA
Control
(Reino Unido- EUA-Australia-Japón, 2007)
Dirige: Anton Corbijn
Actúan: Samantha Morton, Sam Riley, Alexandra Maria Lara, Joe Anderson
Guión: Matt Greenhalgh
Fotografía: Martin Ruhe
Duración: 121 min.

¿Pero quién es Horton? ¿Y quién es el Dr. Seuss?
Una entrevista (exclusiva) con Steve Martino… ¿Y este quién es?
Por Joaquín Rodríguez.

Un poco a raíz de cintas recientes como El Grinch (How The Grinch Stole Christmas, EUA, 2000) o El gato (The Cat in the Hat, EUA, 2003), es que el nombre del Dr. Seuss empieza a resultar un poco más familiar para los mexicanos. En Estados Unidos, sin embargo, es toda una celebridad y prácticamente no hay niño gringo que no sepa quién es él.

El Dr. Seuss, bautizado en realidad como Theodore Geisel en 1904 y fallecido en 1991, es, sin duda, uno de los autores e ilustradores infantiles más reconocidos del siglo XX; su obra en este renglón abarca 44 libros poblados de singulares dibujos y atractivas narraciones generalmente confeccionadas en verso. Entre sus obras más conocidas están la ya citada historia del Grinch y la relativa a Horton, un elefante que descubre una microscópica comunidad de diminutos seres de quienes se convierte en protector.

El Dr. Seuss, que fue el seudónimo que adoptó en su faceta de escritor infantil, cuenta además con una notable trayectoria en otros campos, y destacó también como caricaturista político, periodista y documentalista. Sin embargo, son sus cuentos para niños los que lo han convertido en una celebridad que cada día cobra más popularidad, y cuya fama se extiende fuera de los límites de su país de origen.

Ahora, después de las recientes adaptaciones al cine de sus personajes, y sobre todo con Horton y el mundo de los quién, su impacto será aún mayor, amén de que aquellos que conocen y admiran su obra estarán contentos de que por fin el tan característico estilo de los dibujos de su autor recibirá el trato que merece en la pantalla grande (la verdad, El Grinch y El Gato son dos películas bastante feitas y que poco favor le hacen a Seuss).

Por otra parte, uno de los responsables de llevar a la pantalla el cuento de Horton es Steve Martino, animador de los estudios Blue Sky (los creadores de La era del hielo) y otro de los apasionados del trabajo del Dr. Seuss.

FICHA TÉCNICA
Horton y el mundo de los quién
(Horton Hears a Who!, EUA, 2008)
Dirigen: Steve Martino y Jimmy Hayward
Voces: Jim Carrey, Steve Carell, Isla Fisher, Jonah Hill
Guión: Ken Daurio, Cinco Paul

Las crónicas de Spiderwick: un cuento de hadas para una familia disfuncional
Por Mariana Palos

Las crónicas de Spiderwick parece, para muchos, la reiteración de la nueva ola de superproducciones de fantasía para niños, que han demostrado ser un negocio especialmente prolífico, sobre todo si pensamos en las sagas Las Crónicas de Narnia o La Brújula Dorada. Sin embargo para sus protagonistas, esta cinta además de duendes, trolls y elfos, investiga las múltiples facetas y conflictos de las familias actuales. En este sentido, la joven actriz irlandesa Sarah Bolger, (Stormbreaker 2006, Tara Road, 2005) y el ya famosísimo Freddie Highmore (Charlie y la fábrica de Chocolates, 2005, Buscando el País de Nunca Jamás, 2004), nos hablan de los conflictos, reales e irreales, que los hermanos Grace tendrán que afrontar en su nueva casa después del divorcio de sus padres.

FICHA TÉCNICA
Las crónicas de Spiderwick
(The Spiderwick Chronicles, EUA, 2008)
Dirige: Mark Waters
Actúan: Sarah Bolger, Freddie Highmore, Mary-Louise Parker, David Strathairn
Guión: Karey Kirkpatrick, David Berenbaum
Fotografía: Caleb Deschanel

Una vez más, aunque parece que por fin vamos aprendiendo
Por Albert Cohen, Erick Estrada y Joaquín Rodríguez

¿Qué necesidad tenemos de analizar lo que la Academia de Artes y Ciencias Cinematográficas de Estados Unidos piensa de las películas producidas en su territorio? Pues así como necesidad, no mucha, pero tampoco podemos negar que como una referencia los premios Oscar son importantes, y que siendo Estados Unidos uno de los mayores productores de cine en este mundo y México uno de los mercados más importantes de esa producción (para bien y para mal, ciertamente), enfrascados ambos en un Tratado de Libre Comercio que más allá de sus fallas y aciertos evidencia que la vida de estos países está más entrelazada de lo que queremos averiguar, no podemos abstraernos del hecho de que las películas que le gustan a su Academia deben ser vistas por nosotros por esas y muchas otras razones, del lado de la crítica o de la cinefilia, de quienes queremos entender al cine de nuestros días o de quienes simplemente lo disfrutamos.

Petróleo sangriento
(There Will Be Blood, EUA, 2007)
Dirige: Paul Thomas Anderson
Actúan: Daniel Dat-Lewis, Paul Dano, Kevin J O’Connor, Ciarán Hinds
Guión: Paul Thomas Anderson
Fotografía: Robert Elswit
Duración: 158 min.

Basada en la novela “Oil!”, de Upton Sinclair, la nueva cinta de Paul Thomas Anderson será, muy probablemente, la mejor película del 2007
Por Verónica Maza Bustamante

BRIEF
La anécdota se dice fácil: Petróleo sangriento retrata a los buscadores de petróleo en el Estados Unidos de principios del siglo XX. Sin embargo, la reciente película de Anderson es todo un reto que vale la pena experimentar.
Catalogada ya como la mejor cinta de 2007 por la Asociación de Críticos de Cine de Los Angeles, es una prueba de que no se necesita un dineral, grandes efectos visuales o la maquinaria de las grandes producciones para conseguir una pieza intimista, conmovedora, aterradora, y hermosa a la vez.